Seit über dreißig Jahren wird die in NYC ansässige Rachelle Garniez als Sängerin, Songwriterin und Instrumentalistin sehr bewundert. Ihre jüngste Aufnahme, Gone to Glory, ist eine Chronik ihrer Interpretation von Liedern, die von einer Vielzahl geliebter Künstler geschrieben oder berühmt gemacht wurden, die alle kürzlich verstorben sind. Das Projekt begann 2016, ein Jahr, das an vielen Fronten schockierende und unerwartete Verluste brachte. David Bowie, Prince und Leonard Cohen waren alle in den letzten zwölf Monaten gestorben, und neben diesem unermesslichen kulturellen Verlust herrschte ein nationales politisches Klima der Unruhe und scheinbar unversöhnlichen Spaltung. Das ursprüngliche Konzert der Farewell Party wurde in Pangea, der Heimat der alternativen Kabarettvorstellungen der New Yorker CIty, konzipiert und aufgeführt. Die Menschen hungerten nach der Chance zu trauern und zu feiern, und die Abschiedsparty wurde zu einem jährlichen Ereignis. Die daraus entstandene Gone to Glory-Kollektion ist ein Coveralbum, bei dem es auch um Genesung geht, eine erbauliche Behauptung, dass der Tod zwar unsere Welt zerstören kann, wir aber dennoch überleben, um uns an all dem zu erfreuen, was uns hinterlassen wurde.

Mit der Tiefe ihres Talents und der Breite ihrer Interessen verklärt Garniez‘ stimmliche Herangehensweise beredt Pop und Rock, Swing und Soul – von dem bereits erwähnten Bowie, Prince und Cohen bis hin zu Glen Campbell, Lemmy’s Motörhead, Aretha Franklin, Nancy Wilson, Della Reese, Sharon Jones, Mose Allison und der Big Band-Sängerin Bea Wain. Mit ihrer meisterhaften Fluidität in voller Wirkung verkörpert sie die Charaktere und bewohnt die Welten. Gleichermaßen zu Hause in den Inkarnationen einer heranwachsenden Hippie-Tussi, eines zutiefst beunruhigten Vietnamkriegs-Veteranen, eines jungen holländischen Flüchtlings aus dem Zweiten Weltkrieg, eines herzlosen Hipsters und einer ganzen Reihe von Romantikern, verliert Garniez gleichzeitig sich selbst und findet einen Weg, sich die Songs zu eigen zu machen. 

Die Arrangements sind um die Band Farewell Party herum aufgebaut – Garniez (Klavier, Akkordeon, Gitarre) mit Karen Waltuch (Bratsche) und Derek Nievergelt (Kontrabass). Häufig erweitert sich von diesem Kern aus eine reiche Orchesterpalette, die Rachelles unzählige Einflüsse und Inspirationen widerspiegelt. Hörner, Streicher und Chorgesang im Hintergrund sowie Kameen von Waldhorn, klassischer Harfe und Lagerfeuermundharmonika erinnern abwechselnd an Klezmer und Cajun, Doo Wop, Blues und R ’n‘ B, Latin, Jazz und Show. Fünf der Lieder haben instrumentale Einleitungen, die als Mini-Gedächtnisstützen fungieren und sich unter anderem auf Glen Frey (Gitarrensolo aus „Hotel California“), Carrie Fisher (Prinzessin Leia-Thema), Debbie Reynolds („Singin‘ in the Rain“) und Bernardo Bertolucci (Thema aus Last Tango in Paris) beziehen.

Was das Thema betrifft, so reichen die Gone to Glory-Lieder vom fantastisch Schrecklichen bis zu den erlösenden Wundern des Alltags und spannen einen emotional-affektiven Bogen von der bitteren Verzweiflung bis zur annehmenden Umarmung. Der Tod droht groß, abwechselnd komödiantisch („Killed by Death“), tragisch („Ruby (Don’t Take Your Love to Town)“) und dokumentarisch („The Day Is Past and Gone“). Monster sind überall – Gespenster der Entfremdung („Furchterregende Monster (und Supergrusel)“), der Selbsttäuschung („Strass-Cowboy“), der PTSD („Meine Schwester und ich“) und des toxischen Patriotismus („Monsters of the Id“). Aber die Liebe wird als ausgleichende, manifestierende Vielgestaltigkeit angeboten, von hoffnungslos („100 Tage, 100 Nächte“) bis romantisch („Dont You Know“ und „How Glad I Am“), von erdig („Raspberry Beret“) bis paradiesisch („Day Dreaming“), von erdrückender Unschuld („Frank Mills“) bis zu universeller Erfahrung („Anthem“).

Über ihren einzigartigen Stil schrieb The New Yorker: „Garniez wandert durch die Genres Country, Jazz und Pop und hinterlässt nichts als süße Trümmer“. Tatsächlich findet Rachelle mit ihrem neuesten Album eine gewisse rettende Süße in den Ruinen und sammelt Ruhm von den Toten.

Stücke

Killed by Death

Feed my body to the sharks and throw a party. It’s a miracle I’ve lived this long, I’m good to go.

Intro – Glen Frey (2016) – kultiges Gitarrensolo aus „Hotel California“.

Motörhead/Ian Fraser „Lemmy“ Kilmister (2015) spielt Klezmer, beginnend mit einer klassischen Doina-Improvisation auf der Bratsche und geht über in eine freche, gespenstische zweite Zeile, mit einem Ausruf zum sexy Saxophon-Solo aus „Careless Whisper“ von George Michael (2016).

Raspberry Beret

Sashay flambé, every day’s a parade. We’re loud and proud, get used to it! Pink champale swirls up the crazy-straws and everybody watches us when we dance. 

Prince (2016) unternimmt einen Roadtrip nach Lousiana in einer Kuhglocken-Jalousie – ein fauler Cajun-Zydeco-Groove mit psychedelischen Einlagen – ein nostalgischer Lobgesang auf die junge Liebe/Lust.

Scary Monsters (And Super Creeps)

Fashionable cruelty, hard living, posers, predators, all fun and games ’til somebody gets hurt. Some people just aren’t cut out for this stuff. It’s not my fault. After all, I was never the highest up on the food chain.

David Bowies (2016) kantige, spröde Inszenierung übersetzt die schmutzige Geschichte in ein schlüpfriges Durcheinander, unterbrochen von Hornlinien, die die Hauptrolle, die Robert Fripps Gitarre im Original spielt, sowohl reproduzieren als auch untergraben.

My Sister and I

Time for bed but it’s still light outside. The milk tastes funny here, the language mushy and strange. The pillowcase is cool and clean, I watch the shadows of the leaves on the tree outside flickering on the ceiling. Mama’s lullaby is playing in my head.  

Intro – Prinzessin Leia Thema aus Star Wars – Carrie Fisher (2016) / „Singin‘ in the Rain“ – Carries Mutter, Debbie Reynolds (2016)

Dieses Lied über Flüchtlingskinder aus dem Zweiten Weltkrieg wurde 1941 von der Bigband-Chanteuse Bea Wain (2017) aufgenommen. Der zarte Ensembleansatz und das eindringliche Streicherarrangement unterstreichen den ergreifenden Stoizismus des Liedtextes.

The Day Is Past and Gone

Straight backed chair on the front porch, boards bleached grey as driftwood. Light echoes at the edge of the field. There’s cold at the bottom of the breeze, like the place where the spring feeds the pond. 

In gewisser Weise wurde diese traditionelle amerikanische Hymne, Gone to Glory’s Titelsong, sowohl von Sängern aus den Appalachen als auch von Gospelsängern vorgetragen. Hier wird sie als minimalistischer Raga präsentiert – geisterhafter Gesang schwebt über einem dröhnenden Harmonium.

Don’t You Know

Darling, there’s no use fighting it, destiny sweeps in and dazzles us with cascades of passion. Wanna get a cuppa coffee?

Einleitung – „O Mio Babbino Caro“ von Puccini, eine Hommage an die Opernsängerin Montserrat Caballé (2018)

Die Sängerin/Schauspielerin Della Reese (2017) hatte die Single von 1959, eine Adaption einer weiteren Arie Puccinis, „Musettas Walzer“ aus La Bohème. Die merkwürdig unerschütterliche Sehnsucht der Sängerin wird durch eine zurückhaltende Orchestrierung mit Harfe und Waldhorn unterstützt, die die Herkunft des Liedes widerspiegelt.

Ruby (Don’t Take Your Love to Town)

Time was I was a real good dancer, maybe the best in town, laughing and smoking Luckys in the parking lot at the end of the night, boots broken in just right. 

Geschrieben von Mel Tillis (2017) – Kenny Rogers hatte den Hit – ein trügerisch süßes Bratschensolo gepaart mit einer entspannten Gitarrenbegleitung fügen dem Ausdruck der Verzweiflung und tödlichen Wut eines Vietnamveteranen gegen Verrat und völlige Hilflosigkeit zusätzliche Elemente des Herzzerreißens hinzu.

100 Days, 100 Nights

Honeymoon’s over dollface, let’s see what you got. Twirl those mustachios, clickety-clack the castanets and let the games begin. 

Sharon Jones (2016) – ein Tribut an die Frau, deren Band, The Dap-Kings, die Grundlage für den charakteristischen Soul-Sound von Amy Winehouse war. Dieser akkordeongetriebene Tango/Rumba/Blues liefert eine weltmüde Warnung vor der Bestie, die unter der Oberfläche fast jedes Mr. Right lauert. Massive Bläser und der Chorgesang der Gruppe, ein rauer Wink an Ray Charles, heben den Geist über die missliche Lage.

Monsters of the Id

There is no high road, there is no low road. We’re off-road, riding rough on the edge of the abyss. 

Sänger und Songwriter Mose Allison (2016) – eine Version der vernichtenden Darstellung von politischem Zynismus und jingoistischer Manipulation durch den sardonischen Jazz-Hipster schlechthin. Die Ensemble-Performance ist abwechselnd verstohlen und wild, schwingt rau gegen die Nähte und löst sich spontan in ein unheimliches Kindergarten-Liedchen auf.

Frank Mills

Walking barefoot in Washington Square Park. Don’t kid yourself, the 60s are over. There’s PCP in that marijuana cigarette. Go home, and try to finish high school.

Intro – Thema aus The Brady Bunch mit Florence Henderson (2016) / „I Think I Love You“, ein Schlager von David, dem Schwarm der Familie Partridge

Cassidy (2017)

Galt MacDermot (2018) – aus dem Musical Hair, einer zarten Miniaturballade über jugendliche Wahnvorstellungen, die den bösen Jungen romantisiert, während sich die am Bett sitzende Ballerina in ihrer Spieldose dreht.

How Glad I Am

Let’s ride this wave nice and easy all the way. Lazy and graceful, just as lazy as this metaphor may be, but real!

Nancy Wilson (2018) – eine stilisierte Abhandlung ihres Crossover-Pop-Hits, bei der klassische Harfe und Mundharmonika als Platzhalter in dieser von Doo Wop inspirierten minimalistischen Wiedergabe verwendet werden.

Day Dreaming

Years pass so quickly, they are as mere moments. Oh please can we live forever.

Aretha Franklin (2018) – rhapsodische Texte fliegen hoch über dem dekonstruierten Groove – Klavier und Bass spielen sich wie Liebende ab und destillieren die üppige Orchestrierung der Originalaufnahme zu ihrer Essenz.

Rhinestone Cowboy

It’s Christmas in midtown and my fingers are numb with cold. Been busking all afternoon, pumping the accordion hard. Tonight I’ll roll up a heap of quarters and trade them for bills at the laundromat tomorrow morning.

Glen Campbell (2017) – ein Porträt eines kämpfenden Musikers aus New York City, der wild entschlossen ist, seine Träume inmitten von Sand und Dreck am Leben zu erhalten. Die Streicher liefern ein elegantes Pathos, Andeutungen des Hyperion, aber das ungelöste Ende gibt keine Garantie.

Anthem

Civilizations crumble and reassemble. It’s what they do. It’s physics. It’s the law. From here to infinity. Knowing doesn’t make it any easier. My blood is cold, viscous in the veins. Heart heavy. The brutality, the ugliness, the disgrace weigh me down. But things have been worse and they will be better and they will be worse. Spirits and hearts broken, but maybe the better for it. See you on the other side. 

Intro – Bernardo Bertolucci (2018) – Thema aus Last Tango in Paris / Mary Tyler Moore (2017) – Thema aus der Mary Tyler Moore Show

Leonard Cohen (2016) – mit einer gewissen gedämpften Entschlossenheit streicht das Lied tapfer gegen den Strom, eine sammelnde Hymne des Amen, so sei es. Die Instrumente weben sich geschmeidig innerhalb einer schwankenden Zeit, und schließlich gibt es kein Zögern beim plätschernden Abblättern.